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Sir (Herbert) Hamilton HARTY Né à Hillsborough, Co Down, le 4 Décembre 1879 |
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| Sir (Herbert) Hamilton HARTYSir (Herbert) Hamilton Harty , conductor, composer and accompanist, was born December 4, 1879 in Hillsborough (Ireland). While he is best known for the unmistakably Irish sound in many of his compositions, Harty was a respected and admired conductor, and at one time considered the premier accompanist in London . The son of a church organist (William Harty), Hamilton played viola, piano, and organ as a child. Initially following in his father's footsteps, he held positions as a church organist from age 12. He moved to London in 1901 to pursue a musical career as accompanist, and accompanied an impressive list of soloists, among them John McCormack, W.H. Squire, Joseph Szigeti, Fritz Kreisler, and soprano Agnes Nicholls, whom he married in 1904. Harty did most of his composing between 1901 and 1920, including his An Irish Symphony, his tone poem With the Wild Geese, his Violin Concerto, and his setting of Ode to a Nightingale for soprano and orchestra, premiered by Nicholls. After his retirement from conducting in 1936, he completed another tone poem, The Children of Lir, in 1938. After short stints with the London Symphony Orchestra and elsewhere in England, Harty became permanent conductor of the Hallé orchestra in 1920, a position that he held until 1933. Under his baton, the Hallé became one of the premier orchestras in England. He was knighted in 1925. From 1931-1936, Harty toured in America and elsewhere, conducting in Boston, Chicago, Cleveland, Los Angeles, San Francisco, and Rochester, as well as in Sydney, Australia. Tragically, he fell prey to brain cancer in 1936 in the middle of his blossoming career, and died on February 19, 1941 in Hove (England). Concerto pour violon et orchestre en Ré mineur Le Concerto pour violon de Harty fut composé en 1908 pour Josephtard, écrivit à son sujet dans son autobiographie With Strings Attached (1949): Ma toute première collaboration avec des compositeurs eut lieu avant mes vingt ans, avec le concerto que me dédia Hamilton Harty "A Joska Szigeti, avec mon amitié", et qui, je le soupçonne, donna le ton de l'approche que j'eus par la suite face à d'autres tâches de ce genre... Harty était à l'époque - vers 1908 - le premier accompagnateur d'Angleterre. Le travail que j'accomplis alors, avec Harty lui-même au piano, tirant de son instrument toute la couleur orchestrale qu'il avait insufflée à sa partition, fut certainement décisive dans la formation de ce qu'un de mes excellents partenaires au piano et dans la souffrance qualifia plus tard de "goûts coûteux" en matière d'accompagnement. En raison de l'emploi d'airs d'origine irlandaise, ou du langage de la musique populaire, ou encore du recours à un "programme" reposant sur des faits historiques ou légendaires (comme dans les poèmes symphoniques), la plupart des oeuvres de Harty exhalent tous les parfums d'Irlande (comme la Symphonie irlandaise). Mais cette influence irlandaise est bien moins évidente dans ce concerto, et il semblerait que le défi représenté par l'écriture d'une œuvre destinée à être jouée en concert par un artiste international, lui ait permis de se rapprocher des principaux courants européens de la tradition musicale, dont Dvorak et Brahms incarnaient les influences prédominantes. Le premier mouvement suit le schéma classique de la forme sonate. Les mesures introductives décrivent un motif répété par les vents imitant la fanfare qui est repris par les solistes au point de départ du thème principal. Le second sujet empreint de mélancolie (tant admiré par Delius) évoque Brahms par ses tierces et sixtes descendantes, et sa réexposition au moment de la récapitulation est un passage d'une rare beauté. Dans le second mouvement, le violon égrène une longue mélodie colorée sur les accords ondulants des cordes graves. Commençant^/» et dans le registre le plus, grave de l'instrument, le son prend progressivement de la hauteur, du volume et de l'intensité, puis diminue. Suit alors une section plus rapide, une nouvelle mélodie est entamée par la clarinette et le basson et développée pendant un certain temps avant la réapparition du thème initial. Le finale s'ouvre sur un discours plutôt solennel du violon, et l'impression qu'il ne doit pas être pris trop au sérieux est confirmée par le mot Burlescamente imprimé en petits caractères sur la partition. Ceci nous mène à un thème principal plutôt enjoué (en ré majeur) qui alterne avec un thème au caractère plus méditatif. L'ensemble du mouvement laisse apparaître un Harty au fait de sa spontanéité et de son raffinement David Gréer
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Le Concerto pour piano s'inscrit parfaitement dans la tradition romantique. Rachmaninov apparaît comme la première source d'inspiration pour ce qui concerne l'agencement des parties de piano et des parties orchestrales, les chromatismes, le caractère enjôleur des contre-chants et l'atmosphère de persistante mélancolie. Dans les pages initiales du premier mouvement, le thème principal est entamé par l'orchestre tandis que les solistes jouent un contrepoint fleuri d'accompagnement dans le style d'une toccata. En effet, ce n'est qu'après l'énoncé par les bois d'un second thème plus lent que la mélodie est finalement entamée par l'instrument soliste: le pouvoir du piano à queue de concert moderne est désormais si grand qu'il n'a nul besoin de jouer le thème principal pour captiver l'attention! Au cours du développement, un délicat travail en filigrane à la manière de Chopin mène à une cadence avant que les thèmes principaux ne soient finalement récapitulés. Le second mouvement est dominé par une longue et méditative mélodie dont les phrases sont séparées par un interlude orchestral récurrent. Des sonneries de trompettes annoncent une section centrale plus décisive, avant que le thème principal ne réapparaisse sous de nouveaux atours, accompagné par le léger carillon d'une cloche, des soli du violon et du violoncelle accentuant la magie de l'effet. A la fin, la mémorable note "bleue" de la clarinette est un rappel des origines irlandaises du compositeur. Les traits typiquement irlandais sont plus présents dans le vigoureux finale, non seulement dans les rythmes pointés imitant la gigue et le caractère modal du thème principal, mais également dans les fugitives allusions à un air irlandais, The Wearing of the Green. Celui-ci est d'abord entendu aux cors et aux trompettes en sourdine au cours d'un mystérieux passage au milieu du mouvement, et plus tard il resurgit dans un éclat de gloire. David Gréer
C° Chandos 7032 A Comedy Overture 1906 A Comedy Overture fut composé en 1906 et joué pour la première fois lors d'un Concert-Promenade au Queen's Hall en 1907. L'année suivante Harty révisa la partition et elle fut publiée en 1909 avec une dédicace à son ami Esposito. Harty vivait alors à Londres, marié à la chanteuse Agnes Nicholls, et il était très demandé en tant qu'accompagnateur brillant et d'une grande sensibilité. A Comedy Overture est l'une des œuvres de cette époque qui attira sur lui l'attention du public en tant que compositeur. Le titre reflète simplement le caractère enlevé de la musique et ne fait aucune allusion à un lien théâtral ou au contenu d'un programme! Il y a deux thèmes principaux: le premier est joué par le hautbois après l'introduction trépidante et son rythme vif imprègne une grande partie de l'œuvre; le second est plus lent et plus réfléchi et apparaît d'abord aux bois. Deux exemples seront suffisants afin de d'illustrer la manière variée et imaginative dont Harty traite ces thèmes. Voyons d'abord la fin du développement où le piccolo se lance dans une fausse réexposition du premier thème sur un accompagnement bourdonnant des bassons. Celle-ci étant dans la "mauvaise tonalité", c'est au timbalier de jouer les "bonnes notes" et de préparer le terrain pour la véritable réexposition à la clarinette. L'autre exemple apparaît plus loin dans le mouvement lorsque le deuxième thème est joué par les violoncelles avec des harmoniques d'accompagnement aux transformations très subtiles. C° Chandos 7034 Symphonie Irlandaise 1904 L'origine de Irish Symphony (Symphonie irlandaise) de Harty, composée pour le festival Feis Ceoil de 1904, est un malentendu bizarre. En 1901 le comité du festival annonça la création d'un prix spécial pour une suite ou une symphonie basée sur des airs irlandais traditionnels. Cette idée s'inspirait d'une récente exécution à Dublin de la Symphonie du "Nouveau Monde" de Dvorak, oeuvre qui, selon The Irish Times, "se basait sur des mélodies nègres"! Le prix fut attribué pour la première fois en 1902, pour la Symphonie irlandaise de Michèle Esposito, compositeur et pianiste napolitain qui s'était installé à Dublin et qui était ami intime et mentor du jeune Harty. En 1904, ce fut le tour de Harty et sa propre Irish Symphony remporta un grand succès lors du concert des lauréats le 18 mai. Selon le Musical Times, "la place d'honneur pour le prix de composition doit être donnée à la symphonie de Monsieur Hamilton Harty — œuvre de très grand talent démontrant une remarquable connaissance de l'orchestration. Le compositeur, qui dirigea l'œuvre admirablement, reçut à la fin une grande ovation." Harty avoua par la suite que c'était la première fois qu'il dirigeait un orchestre — bon début pour ce qui allait être une carrière remarquable de chef d'orchestre. Il inclut par la suite cette œuvre à de nombreuses reprises dans ses concerts, notamment dans son concert d'adieu avec le Halle en 1933. Il y apporta des révisions au moins deux fois, en 1915 et en 1924, et ce n'est que dans cette révision finale qu'il ajouta des titres aux mouvements et "introduisit un bref programme descriptif en tête de la partition. Il est impossible de savoir à quel point il avait en tête ce programme lors de la composition de cette œuvre vingt ans auparavant, mais il ne fait aucun doute qu'il aimait profondément son pays et que les sentiments qu'il éprouvait pour le Hillsborough .de son enfance, la campagne de County Down et les vallées d'Antrim font partie intégrante de l'homme et de sa musique. I. On the Shores of Lough Neagh {Allegro molto ). Ce mouvement en forme sonate comprend deux mélodies irlandaises. La première, "Avenging and Bright", est d'abord jouée pizzicato par les cordes puis par les bois. La deuxième, "The Croppy Boy", est une mélodie plus lente jouée par les clarinettes et les bassons. Elles constituent le premier et le deuxième sujet respectivement. Une autre mélodie est également importante dans la construction du mouvement bien qu'il semblerait qu'elle ne provienne pas du folklore traditionnel. C'est une mélodie fluide, tout d'abord jouée par le hautbois, et qui constitue la continuation du premier sujet. Le compositeur utilise les trois mélodies dans le développement. Dans la réexposition, les trombones avec sourdine entonnent de manière solennelle "Avenging and Bright", et "The Croppy Boy" se transforme en un solo de violon rhapsodique accompagné par les délicates arabesques des bois. II. The Fair Day {Vivace ma non troppo presto). Ce mouvement à l'écriture délicate commence par le son du joueur de violon du village accordant son instrument, puis s'élance dans un reel (sorte de quadrille écossais) connu sous le nom de "The Blackberry Blossom". Cela mène à un autre air célèbre: "The Girl I Left Behind Me" ou bien encore "The Wandering Labourer". L'habileté avec laquelle Harty réussit à établir une transition naturelle et sans heurts de l'un à l'autre constitue l'un des nombreux délices de ce mouvement. Notons que "The Girl I Left Behind Me" est joué "en quintes" pour donner l'impression d'être joué simultanément dans deux tonalités différentes. Harty expliqua un jour que c'était pour imiter les orchestres de flûtes qu'il avait entendus dans le nord de l'Irlande, dans lesquels des instruments aux tonalités différentes jouaient ensemble le même air. Le xylophone et le tuba ajoutent leur touche personnelle à l'humour du mouvement. III. In the Antrim Hills {Lento ma non troppo). Les accents passionnés des cordes et une ample cadenza à la clarinette mènent au thème principal, une triste mélodie au hautbois et au basson. C'est une vieille chanson, "Jimin Mo Mhile Stör", dont les premières lignes expliquent le caractère de lamentation du mouvement. Vous, jeunes filles, ayez pitié de ma triste plainte Je suis une jeune fille qui pleure son bîen-aimé L'absence de celui que j'aime me plonge dans la douleur Et chaque jour je pleure Jimin Mo Mhile Stör. Après cette mélodie apparaît un nouveau thème mélancolique aux cordes. Bien que cette mélodie ne soit pas tirée du folklore, elle constitue une contrepartie entièrement naturelle du premier thème et illustre parfaitement la manière artistique dont "l'ancien" et le "nouveau" sont intégrés tout au long de cette symphonie. Ces deux thèmes sont ensuite prolongés et ornementés dans un style proche de l'improvisation et, ici comme ailleurs, le style de Harty est imprégné d'idiomes de la musique folklorique irlandaise. IV. The Twelfth of July {Con molto brio). Le titre fait référence à la bataille de Boyne, dont la commémoration annuelle est un événement bruyant et pittoresque de la culture folklorique en Ulster. Harty utilise avec beaucoup d'à-propos l'air "Boyne Water" comme thème principal, joué par le cor anglais au début du mouvement. Puis il crée ainsi plusieurs autres thèmes avant de reprendre "Boyne Water". Survient alors un dramatique changement de caractère et de tonalité et nous entendons une fois de plus les sombres accents de l'air "Jimin Mo Mhile Stör" extrait du troisième mouvement. Les cordes sulponticello, des cors avec sourdine, et des coups de gong très doux augmentent encore l'effet mystérieux. Viennent ensuite un développement et une réexposition. Le point culminant du mouvement est un réexposé fortissimo et grandiose de "Jimin Mo Mhile Stör" menant à une Coda enlevée. David Gréer
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La fantaisie In Ireland porte en première page la mention suivante: "Dans une rue de Dublin au crépuscule, deux musiciens ambulants jouent de leur instrument". Le terme "fantaisie" évoque à la fois le caractère de libre improvisation de l'écriture pour 'flûte solo et celui, changeant, de la musique passant rapidement d'une mélancolie retentissante à une gaieté dansante. Mais cela ne signifie aucun relâchement dans la construction, car il s'agit en fait d'une œuvre à la structure rigoureuse. Le plan suivant montrera le lien existant entre les sections: 'Moderato con passione: Introduction, menant au thème orné de la flûte (a) Moderato, ma deciso: thème (b) en mode de ré authente. "Tempo I: retour du thème (a) Vivace: air de danse en mode de la authente, provenant de (a) Andante: variante lente de (b) -Vivace: continuation du Vivace précédent David Gréer
C° Chandos 7034 Witt the Wild Geese Le poème symphonique With the Wild Geese est basé sur l'histoire des Régiments irlandais (The Wild Geese) qui se battirent avec les Français lors de la bataille de Fontenoy (1745), et sur la légende selon laquelle, après la bataille, les fantômes des morts irlandais se seraient levés pour retourner dans leur pays natal. En préface de la partition apparaissent deux poèmes d'Emily Lawless extraits de son livre du même titre (1902). L'introduction commence par un appel au rassemblement suivi d'une mélodie passionnée représentant (selon la notice de programme de Harty) l'adieu des soldats à l'Irlande. La section suivante présente une mélodie au rythme de marche représentant la vie des soldats irlandais à l'étranger. Une brève transition dans laquelle figure la harpe mène à un nouveau thème lyrique représentant les exilés qui songent à leur patrie. Vient ensuite un long développement avant que l'air de la marche ne réapparaisse brièvement. La section suivante (marquée quasi un notturno) décrit la nuit avant la bataille et les rêves des soldats. Vers la fin, un étrange passage chromatique avec des cors avec sourdine et une clarinette basse donne l'impression de brumes sinistres et de pénombre. Une fanfare annonce la bataille, dans laquelle l'orchestre est utilisé de manière éclatante pour dépeindre fracas et confusion. Dans la section finale des cordes ondulantes évoquent la mer et une phrase basée sur l'appel au rassemblement du début (cette fois-ci avec un fort parfum irlandais) représente le retour des soldats dans leur pays. Ce poème symphonique est tout à fait dans le caractère de Tchaïkovski, plein de musique imaginative et descriptive avec une partition et des harmonies colorées. Comme il convient à cette œuvre, le matériau thématique a également un fort caractère irlandais. David Gréer
C° Chandos 7032
texte de Didier Descouens (email) |
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